On commence par la bonne nouvelle : oui, cet opus 3 est le meilleur de la trilogie. Mais que l’on ne s’enthousiasme pas pour autant. Car s’il réussit à dépasser les deux nanars décérébrés de Leterrier, celui de Megaton n’est pas exempt de défauts, le pire étant finalement celui que l’on espérait définitivement effacé (on y reviendra plus loin). Pour commencer, soyons honnêtes : avec ce film, Besson et sa clique ont visiblement pris un peu plus de vitamines pour nous torcher un scénario qui soit le moins navrant possible. Cette fois-ci, l’intrigue se suit avec un certain plaisir (même si l’issue se devine comme le nez au milieu de la figure), les enjeux narratifs sont un poil plus intéressants, les scènes d’action en mettent souvent plein la gueule et la réalisation s’avère infiniment plus nerveuse qu’avant… Voilà pour les bonnes nouvelles. Maintenant, on passe à la douloureuse. Aussi divertissant soit-il, ce troisième opus de la saga du

Certes, tout cela n’a rien de nouveau, mais on se rêvait à penser que ceci n’était qu’une vision simpliste du cinéma pop-corn défendu par le réalisateur du Grand bleu. Mais là, ça devient tellement récurrent qu’on commence sérieusement à se poser des questions. Dans un film produit par Besson, que trouve-t-on de particulier ? Déjà, de l’action, forcément. De la pure, de la dure, de la qui te perfore le tympan à grands renforts d’effets sonores surpuissants, le tout englobé d’une musique rap ou hip hop à la mode, parce que, faut pas déconner, ce genre de film, c’est fait pour remplir les salles de tous les djeun’s un tantinet branchés. Pour le reste, on y trouve une intrigue sans originalité, écrite sur un coin de table en un temps record et formatée à l’hollywoodienne pour ne pas trop faire fonctionner les neurones pendant la projection. Et surtout, on ne lésine pas sur le stéréotypage des personnages : un méchant plus salopard tu meurs, une actrice d’Europe de l’Est dans le rôle de la bimbo de service (une rousse de préférence, ça devient une habitude…), et un héros dont le charisme se limite à la grosseur des biscotos et dont le nombre de répliques est inversement proportionnel au pourcentage de bourre-pifs distribués sur 1h45 de film.

En conséquence, aucune tromperie sur la marchandise en ce qui concerne Le transporteur 3. Ceux qui ont envie de débrancher leur cerveau pendant moins de deux heures n’auront pas à se plaindre, puisque même une Miss France pourrait comprendre de quoi il s’agit. Ceux qui veulent voir Jason Statham péter la gueule de bad guys et entendre le craquement des os avec le Dolby Digital 5.1 à fond les turbines peuvent se réjouir, parce que ça n’a pas disparu. Ceux qui en ont marre d’entendre François Berléand jouer le comique de service qui débite des blagues tout sauf marrantes peuvent déchanter fissa, parce que ça ne s’est pas évaporé. Ceux qui pensaient que Robert Knepper était déjà bien vilain dans  »Prison Break » peuvent s’attendre à mieux, parce qu’il est encore pire dans ce film. Et ceux qui veulent voir un clone de Milla Jovovich en tenue légère qui lance des oeillades à l’Action Man de service auront de quoi baver. Sur ce point, notons que la belle passe les trois quarts du temps à parler cuisine (ce qui, vous en conviendrez, est tout à fait passionnant) et que, le reste du temps, elle danse façon lapdance, se bourre la gueule à la vodka jusqu’à virer cinglée et n’hésite pas à interrompre la mission pour contempler un strip-tease du sévèrement musclé Jason Statham.

Mais bon, tout ça, on s’en fout : ce genre de film, ça nous donne exactement ce qu’on attend, et donc, ça ne sert à rien de râler. Là où le film devient franchement énervant, c’est quand on voit le nom du réalisateur au générique. Certes, remplacer Louis Leterrier (parti filmer les dernières crises de nerfs de Hulk aux Etats-Unis) par l’excellent Olivier Megaton avait de quoi promettre un changement global d’orientation de la saga : avec son fascinant Exit et son intense Sirène rouge, le bonhomme avait démontré un réel talent de plasticien, aussi doué pour faire surgir l’émotion dans une scène de fusillade que pour donner à un simple dialogue une intensité foudroyante, le tout bercé dans une esthétique clippesque tout à fait adaptée au sujet illustré. Ici, Megaton ne fait rien d’autre que respecter un cahier des charges imposé à l’avance, sans jamais pouvoir imposer son regard de cinéaste sur ce film de commande. On se rappelle que Leterrier y était magistralement arrivé avec Danny the dog, éclatant le fonds de commerce Besson avec une sécheresse inédite et une esthétique néo-punk à tomber par terre. Alors que là, c’est juste du déjà-vu. Agréable, certes, mais avec un tel cinéaste aux commandes, on finit vraiment par soupirer. Et pendant ce temps-là, la pompe à fric continue de fonctionner à plein régime…

Note : @

France - 2008 – De Olivier Megaton - Avec Jason Statham, Robert Knepper, Natalya Rudakova, François Berléand, Jeroen Krabbe, Yann Sundberg, Eriq Ebouaney, David Atrakchi, Katia Tchenko… – 1h45 – Action – Accord parental

La principale réussite de 2ème sous-sol réside avant tout dans sa profonde modestie. A travers un canevas de survival où les péripéties fonceraient pied au plancher dans le prévisible, Khalfoun et Aja ont décidé de s’orienter davantage sur le huis clos à forte conotation psychologique. Contre toute attente, le film ne sera pas seulement un thriller ultraviolent où une fille tente désespérément d’échapper à un boogeyman mal intentionné, mais avant tout un vrai suspense psychologique où deux personnages rivalisent d’ambiguïté dans leur comportement et brouillent les repères du spectateur à grands renforts de réactions imprévisibles. D’un côté, on découvre une Rachel Nichols très crédible en avocate zélée, pour qui le travail passe avant tout le reste et dont le caractère antipathique passe sans problème à travers l’écran de cinéma. Face à elle, un Wes Bentley désormais abonné aux rôles de méchants ou de tarés psychotiques, qui incarne un gardien de parking sacrément dérangé, dont on devine sans peine, derrière l’apparence du détraqué pervers, la solitude tragique et le besoin vital d’amour et de sentiments.

D’un côté, la pouffiasse, et de l’autre, le sociopathe perturbé ? C’est mal connaître Franck Khalfoun, très attaché à susciter la surprise davantage à grands coups de réactions inattendues que de bruitages sonores. En cela, 2ème sous-sol s’impose comme une série B diaboliquement ludique, entièrement construite autour de deux protagonistes aussi ambivalents qu’imprévisibles, dont le comportement peut basculer en une fraction de seconde par la force des choses. Le décor du parking, proprement génial de par son aspect labyrinthique et l’apparence dédalesque de sa structure, symbolise un environnement clos et sombre où les murs se referment peu à peu sur les protagonistes, où la tension s’intensifie à chaque seconde, où la violence peut surgir d’un bout à l’autre, où la survie de l’héroïne passe par un retour à la barbarie à chaque descente dans le sous-sol (remember The descent). Magnifiquement réalisé et photographié, bénéficiant d’une ambiance très angoissante, de moments chocs bien amenés et d’une gestion de l’espace en tous points remarquable, 2ème sous-sol contribue, après La colline a des yeux, à poursuivre le revival du survival avec un punch inédit.

Note : @@@@

Etats-Unis - 2007 – De Franck Khalfoun - Avec Rachel Nichols, Wes Bentley, Simon Reynolds, Grace Lynn Kung, Paul Sun-Hyung Lee, Philip Akin, Stephanie Moore, Miranda Edwards… – 1h38 – Thriller – Interdit aux moins de 16 ans

Le plus souvent, quand un cinéaste étranger à succès part aux Etats-Unis pour passer sous le feu des projecteurs, il en revient dégoûté, dépité, déçu à vie d’avoir fait confiance à des costards-cravate sans scrupules, uniquement préoccupés par la rentabilité de leurs produits (souvent torchés et massacrés au montage). Et voilà qu’à l’instar d’un Alexandre Aja qui avait cassé la baraque avec son remake de La colline a des yeux, le gravement dérangé Timur Bekmambetov, responsable de Night watch (beurk !) et de Day watch (re-beurk !), effectue l’exact opposé. Passer du blockbuster fantastico-mythologico-débilo-vodka au blockbuster US de sale gosse lui offre une chance tout à fait inattendue : celle de se lâcher comme jamais pour nous offrir un divertissement bourrin et dopé aux stéroïdes, qui, après Hyper tension et Shoot’Em Up, contribue à redonner au mot  »fun » tout son sens. Autant dire que ce Wanted va te déboîter la tronche à grands coups de sulfateuse !

Adapté d’un comic-book de Mark Millar, Wanted se présente ni plus ni moins comme un véritable rollercoaster de près de deux heures, uniquement conçu pour créer de violentes poussées d’adrénaline. Tout au long d’un récit mouvementé et sans aucun temps mort, le réalisateur conserve sa verve visuelle expérimentée sur ses précédents films, tout en s’écartant à tout prix du réalisme, et nous offre ainsi quelques scènes d’action qui frisent l’épilepsie, mais dont le montage frénétique fait l’effet d’un boulet de canon expédié en pleine poire. S’il lorgne quelque peu vers le cinoche décérébré de Michael Bay, comme en témoigne la démentielle poursuite en voiture qui débarque au bout d’un quart d’heure de film, Bekmambetov ne perd pas de vue son intrigue, suffisamment claire et détaillée pour rester compréhensible, qui plus est garnie de quelques coups de théâtre bien amenés. Quant au propos sur le néant de l’existence d’un jeune adolescent destiné à une carrière de tueur, il vaut mieux ne pas s’attendre à une parodie trash de Fight Club, même si on est parfois tenté de faire le parallèle.

Pourtant, si le réalisateur s’attache malicieusement à critiquer le mode de vie à l’américaine, qui transforme le quotidien en enfer et où le travail n’est qu’un moyen de presser le citron jusqu’à la dernière goutte, on peut reconnaître qu’il se fout complètement de nous donner des leçons de morale. De par sa gratuité, son mauvais goût parfaitement assumé et son ultraviolence effarante (attention, ce film ne s’adresse pas aux enfants !), Wanted fait toujours l’effet d’un énorme  »Fuck you ! » adressé aux bien-pensants hollywoodiens, dévorés par l’aspect consensuel et puant de leurs productions. Ebahi par un tel tourbillon d’idées visuelles, on prend un pied monstrueux à assister à un festival de cinoche bourrin et décomplexé (tout explose : les balles, les bâtiments, les méchants… et même les rats !), où les ralentis matrixiens cotôient les travellings circulaires, où la trajectoire des balles de revolver peut être tordue en un simple mouvement de bras, et où les acteurs sont tous aussi convaincants que convaincus de la folie de l’ensemble.

Dans le rôle du héros désabusé en quête d’un quotidien plus jouissif, James McAvoy assure comme c’est pas permis, et le terrible chemin de croix (avec poings dans la gueule et duels au couteau de boucher) que doit endurer son personnage pour devenir un tueur sans pitié est l’occasion pour lui de révéler une vraie sensibilité d’acteur. A ses côtés, Morgan Freeman porte toujours très bien le costume, et Angelina Jolie se révèle comme toujours aussi sexy qu’investie à 100% dans son rôle. Des acteurs géniaux, tous embarqués avec plaisir dans un tourbillon déchaîné d’action pure et de violence sadique, tiré vers le haut par une bande-son très  »hard-rock » et un humour ultra-décomplexé qui nous prend par surprise à chaque instant. A n’en pas douter, une des meilleures surprises de l’année, explosive et jouissive !

Note : @@@@

Etats-Unis - 2008 – De Timur Bekmambetov - Avec James McAvoy, Angelina Jolie, Morgan Freeman, Terence Stamp, Common, Thomas Kretschmann, Kristen Hager, Marc Warren, David O’Hara, Konstantin Khabensky… – 1h50 – Action – Interdit aux moins de 12 ans

Le choc sera rude, il vaut mieux être prévenu avant de s’aventurer dans ce film qui créera à coup sûr quelques réactions controversées. On ne peut pourtant qu’applaudir le courage et l’inventivité des deux jeunes réalisateurs, aussi bien dans la narration que dans la création d’une atmosphère insoutenable. Ainsi donc, le film se résume simplement à une histoire de folle sanguinaire, déterminée par tous les moyens à arracher le bébé porté par une jeune veuve enceinte. Si tout cela semble propice à de sacrés bains d’hémoglobine, on n’imaginait pas que le degré de trashitude serait aussi élevé. Soyons clairs : jamais une femme enceinte aura autant morflé sur un écran de cinéma. Le film joue volontairement sur les peurs primitives (notamment celle de la perte de l’enfant) pour nous laisser KO par la suite avec une débauche d’effets sanglants et de scènes choc d’une fureur hallucinante. Jusqu’à la conclusion, aussi dégénérée que surprenante.

Et c’est d’autant plus efficace qu’on ne se retrouve jamais face à une resucée de Rosemary’s baby : les deux cinéastes se sont permis d’illustrer une histoire originale, qui ne craint pas d’abuser des invraisemblances ou des détails transgressifs. Contrairement à Haute tension qui, aussi génial soit-il, n’était qu’une compilation de scènes empruntées à toutes sortes de slashers, A l’intérieur se démarque joliment des références du genre. Les plus cinéphiles pourront néanmoins y trouver quelques clins d’oeil au cinéma de Polanski, au style de Dario Argento ou, encore plus évident, au Blow-up d’Antonioni (les apparitions fantomatiques de Béatrice Dalle). Après tout, tout film de cinéphiles comporte son lot de fantômes. Il est pourtant heureux que le film ne donne pas l’impression d’avoir être fait  »à la manière de » : Maury et Bustillo ont créé ici leur propre style, leur propre mise en scène, et subliment l’ensemble par une maîtrise absolue des codes du genre.

Le plus impressionnant provient d’un travail incroyable sur le son. Que ce soit dans son usage d’une musique angoissante (et pourtant si simple) ou dans l’irruption de distorsions sonores bienvenues, tout contribue à créer un suspense prenant où la moindre surprise crée de délicieux frissons, où la moindre variation sonore bouscule toutes nos perceptions. La photographie du film n’est pas à négliger non plus, qu’il s’agisse de ne rien dissimuler de la barbarie gore des rebondissements (effet vomitif garanti) ou de filmer amoureusement deux actrices en sang. Ces deux dernières participent à la réussite de l’ensemble : si Alysson Paradis mérite les louanges pour son premier rôle au cinéma, on ne sera pas étonné de voir en Béatrice Dalle la figure maîtresse du film : avec son allure d’ange de la mort, avec le visage aussi impassible que celui de Michael Myers, l’actrice incarne à merveille cette violence interne, tout en lui conférant une légère ambiguïté sexuelle.

Pour en revenir à l’ultraviolence du film, il est étonnant de ne pas voir le film frappé d’une généreuse interdiction aux moins de 18 ans. Julien Maury et Alexandre Bustillo ont cherché le sensationnel, le trash et le crapoteux à tout prix, sans que leur film passe pour une mauvaise blague potache d’étudiant. D’un bout à l’autre de son récit, A l’intérieur ne s’embarrasse d’aucun compromis, vomit les conventions bien-pensantes du film horrifique et ne souffre d’aucune ambiguïté artistique (le seul bémol que l’on pourrait relever serait les visions superflues d’un bébé en 3D). Que l’on ne se trompe pas : si l’on ne trouve que de la gratuité dans A l’intérieur, cela n’a rien d’un hasard. Le film se veut avant tout une expérience choc, un peu comme si la provocation de Takashi Miike s’était accouplée avec le baroque de Dario Argento. De l’horreur organique et viscérale, aussi surprenante qu’une grosse décharge de volts. Vous êtes prévenus.

Note : @@@@@

France - 2006 – De Julien Maury & Alexandre Bustillo - Avec Béatrice Dalle, Alysson Paradis, Nathalie Roussel, Nicolas Duvauchelle, Ludovic Berthillot, François-Régis Marchasson, Claude Lule, Dominique Frot, Jean-Baptiste Tabourin, Aymen Saïdi… – 1h20 – Horreur – Interdit aux moins de 16 ans

Pour ce qui est de concocter des gags satiriques d’une puissance à tout casser, Trey Parker et Matt Stone sont de véritables dieux vivants. Déjà, par l’intermédiaire d’une série télé déjantée et irrévérencieuse, les deux compères nous offraient la plus incroyable décharge de haine contre cette Amérique puritaine et coincée qu’on aime tant critiquer. Un élixir de folie, de vulgarité et de délire non-stop qui nous clouait au fauteuil : le résultat s’appelait South Park et avait tout du programme culte. Que du plaisir, en somme… Après une adaptation ciné de la série télé qui s’était soldée par une totale réussite, voilà que le tandem passe à autre chose. On pouvait alors craindre qu’ils calment leurs ardeurs, qu’ils se rangent dans la contestation populaire la plus innocente. Pensez donc ! Plus violents et pervers que jamais, Stone & Parker font tout péter tant que ça fait rigoler, avec un max de dégats collatéraux. C’est simple : dans

Commençons par clouer le bec aux rumeurs absurdes qui ont envahi la sortie du film : il paraît que, derrière son aspect satirique, le film ferait de la propagande pour une idéologie ultra-nationaliste (Bush, en l’occurence) en usant du je-m’en-foutisme d’une façon assez maladroite. Il y a dix ans, on disait la même chose d’un film satirique de Paul Verhoeven (Starship troopers), qui s’était carrément vu traiter de film nazi. Une belle preuve de manque de réflexion car, derrière leur aspect parodique, les deux films illustrent les dangers du monde moderne (ou futur) en nous mettant volontairement du côté des  »méchants ». De cette façon, le délire souhaité par Stone & Parker s’intensifie, le manichéisme est anéanti et la satire redouble d’agressivité.

Ici, c’est surtout l’héroïsme du républicain moyen qui en prend sérieusement pour son grade, à travers le destin de cette équipe de super-héros déjantés, désormais réduite à engager un acteur ridicule pour sauver le monde d’une terrible menace terroriste. Ceux qui sont encore horripilés par les productions Jerry Bruckheimer (Armageddon, Pearl Harbor et j’en passe…) peuvent imaginer le carnage concocté par Trey Parker : ici, la plupart des situations que l’on peut rencontrer dans les blockbusters tournent au ridicule absolu, sans que le réalisateur ait besoin d’en rajouter. Il faut voir la débilité sidérante des dialogues, la ringardise rétro des décors et la cascade de scènes d’action invraisemblables que l’on peut voir. Notons que même les clins d’oeil se bousculent : outre un pastiche de Kill Bill et une douzaine de gags parodiques bien imaginés, c’est surtout la référence aux Thunderbirds qui procurent un plaisir maximum.

L’usage des marionnettes n’est pas seulement un moyen original de clouer le bec aux gros budgets hollywoodiens, c’est surtout un formidable supplément satirique qui déclenche une amusante réflexion. L’acteur serait-il en fait un pantin manipulé par des studios avides de pouvoir et d’argent ? Pourrait-on ainsi assimiler la politique bushienne à cette politique de création de blockbusters débiles que Hollywood tend à suivre depuis longtemps ? Et pourquoi pas ?… La satire finit même par s’étendre sur le reste du monde : outre le clan des démocrates US (parmi lesquels Sean Penn et Alec Baldwin), condamné sans répit pour son immaturité et ses méthodes de persuasion discutables, on y croise également des Français caricaturaux, des Talibans qui  »aiment les couilles », un dictateur nord-coréen mégalomane, des acteurs qui ne savent même pas jouer correctement, un Michael Moore kamikaze, un ordinateur intelligent qui se trompe toujours, etc… La charge est violente, sadique, hilarante, et n’épargne personne.

Dans ce torrent d’humour satirique, d’où émergent quelques hectolitres de vomi et de gore, Stone & Parker osent toutes les provocations, allant même jusqu’à montrer ce qui suit toujours le baiser enflammé de deux stars dans un film hollywoodien (une scène porno qui rendra dingue tout producteur de films X !). Car, oui, les blockbusters et les niaiseries ne montrent pas la réalité, mais une vision idéalisée (pour ne pas dire propagandiste) de l’Amérique. Lorsqu’un pays cherche à imposer la démocratie par tous les moyens, heureusement que des auteurs comme Stone & Parker sont là pour rappeler que l’ambiguïté se cache souvent derrière certaines bonnes intentions. Team America s’avère être au final l’une des satires les plus féroces que le cinéma nous ait offert, et laisse croire que le cinoche provocateur reste encore en très grande forme. Pourvu que ça dure !

Note : @@@@

Etats-Unis - 2005 – De Trey Parker - 1h32 – Action/Comédie – Interdit aux moins de 12 ans

D’une banalité confondante, le script accumule les poncifs, les clichés et les rebondissements téléphonés. Dès la première scène, notre héros-médium prend plaisir à voir le futur pour gagner non-stop dans un casino, draguer une fille en explosant le dragueur qui était là avant lui (!), s’enfuir avec la police et des tueurs aux fesses, et la suite ne vaut guère mieux, coincé entre des bavardages interminables et des dialogues pseudo-intellos sur l’avenir et le destin. Le calme plat, quoi ! Et, surtout, les poncifs du genre qui se ramassent à la pelle : la police met son grain de sel dans l’histoire, notre héros se voit contraint de sauver le monde du terrorisme (bon, ça va durer encore longtemps, ce genre de script ultra-prévisible ?), et se retrouve face à un terrible dilemne (en gros, soit il tue sa copine pour sauver le monde, soit… vous avez deviné). Si la mise en scène de Lee Tamahori (Meurs un autre jour) aurait pu sauver quelques meubles, elle reste banale d’un bout à l’autre. Seul le décolleté de Jessica Biel donne quelques frissons. Le final, lui, relève tellement de l’énormité narrative qu’il donne envie de se tirer une balle dans la tête. A ce point-là ? Eh oui.

Note : O

Etats-Unis – 2007 – De Lee Tamahori - Avec Nicolas Cage, Julianne Moore, Jessica Biel, Thomas Kretschmann, Peter Falk, Nicolas Pajon, Jessica Barth, Charles Chun, Paul Rae… – 1h36 – Thriller/Science-fiction – Accord parental

Le héros du film est donc très mal rasé, on connaît pas son nom, il déteste les armes mais les manie comme personne, et se retrouve forcé d’aider une femme enceinte à accoucher en pleine fusillade. Pas facile, on s’en doute… Donc, pourchassé par une bande de tueurs défoncés (dans tous les sens du terme), il prend la fuite en compagnie d’une pute nourricière qui donne le sein à des adultes en couches-culottes. Faut qu’il zigzague entre les balles, qu’il zigouille des vilains à la chaîne pendant qu’il s’envoie en l’air ou pendant qu’il fait du parachute, qu’il bricole des pièges astucieux qui mettent le superméchant très en rogne, qu’il fabrique une couche pour le bébé avec le journal du soir, qu’il écoute du heavy-metal à fond les turbines pour calmer la marmaille et qu’il dévoile au monde entier un gros complot international… Dure journée, cela va s’en dire…

A ses côtés, Monica Bellucci assure le côté sexy et glamour du polar, sans oublier de rester diablement crédible et parfois même émouvante. Et face à lui, Paul Giamatti accomplit l’impossible en jouant le taré de service qui balance des répliques dignes de Michel Audiard, et en fronçant du sourcil avec une cruauté inimaginable. Les trois s’éclatent donc comme des fous dans ce film d’action tarantinesque et diablement mal élevé où les séquences trépidantes s’enchaînent à la vitesse du Concorde, au son d’une bande-son très chargée en hard-rock. On sort de cette BD déjantée à peu près dans le même état que les méchants : effaré, complètement usé, les yeux en charpie, les oreilles en feu et le QI à zéro… Bref, ami spectateur, autant dire que Shoot’Em Up est ultra jouissif, que le réalisateur ne te prend vraiment pas pour un con, et que si tu veux de l’action pure et dure, ben t’en auras. Mais pense à laisser ton cerveau à l’entrée…

Note : @@@@

Canada – 2003 – De Vincenzo Natali - Avec David Hewlett, Andrew Miller, Marie-Jozée Croze, Andrew Lowery, Elana Shilling… – 1h33 – Action – Interdit aux moins de 12 ans

Avec un postulat de cet acabit, l’affaire sentait déjà le cramé. Sauf qu’avec cet épisode, déjà beaucoup plus appréciable que les précédents, Mulcahy réussit le pari de redéfinir les enjeux de la franchise : puisqu’il semblait difficile de reproduire le jeu vidéo, et puisque l’imitation absurde de ses caractéristiques n’avait rien de concluant, autant inventer quelque chose de nouveau. La structure est simple : tandis qu’un immonde scientifique tente de dresser les zombies, Alice et ses amis tentent de survivre, et puis c’est tout. Une intrigue dont on se moque totalement, mais sur laquelle Mulcahy greffe des éléments du jeu vidéo original et se révèle bien plus compétent quand il s’agit d’inventer un univers sous influence. Que les clins d’oeil se bousculent par paquets de douze (dont une attaque de corbeaux zombis en référence aux Oiseaux de Hitchcock !) donne finalement un cachet très sympathique à cet « ultime » épisode.

Et Milla Jovovich ? Depuis qu’elle s’est ridiculisée dans un Ultraviolet de triste mémoire, on n’attend plus grand-chose d’elle. Ici, elle se surpasse en poirautant les trois quarts du temps, ce qui aggrave sérieusement son cas. Mais de toute façon, cela fait un bon moment qu’elle n’est plus la star de la franchise. Ce qui compte désormais dans la saga Resident evil, c’est la mise en scène, puisqu’il n’y a que ça pour sauver les apparences. En cela, cet opus 3 nous satisfait sur de nombreux points : Mulcahy prend son temps pour filmer l’action, filme plein cadre sans déborder vers un montage épleptique, et nous livre quelques scènes très réussies, notamment une scène d’ouverture assez bizarre (Alice est clonée à l’infini) ainsi que le décor d’un Las Vegas enfoui sous les dunes de sable. Dommage qu’une nouvelle fois, le monstre final soit aussi effrayant qu’une peluche Predator… Ah oui, une dernière chose : mais où diable est passée Jill Valentine, la superbe héroïne du second épisode ?

Note : @@

Etats-Unis/Allemagne – 2007 – De Russell Mulcahy - Avec Milla Jovovich, Mike Epps, Oded Fehr, Ali Larter, Iain Glen, Spencer Locke, Ashanti, Gary Hudson, Sienna Guillory, Linden Ashby, Matthew Marsden… – 1h30 – Action/Horreur/Science-fiction – Interdit aux moins de 12 ans

Aussi, quand deux potes, dévorés par le quotidien et leurs angoisses respectives liées au monde moderne (agoraphobie, perte de job, absence d’amour…), se retrouvent catapultés dans le néant le plus absolu, on peut dire sans hésiter que Natali connaît ses classiques : de l’abstration blanche de THX 1138 au capitalisme effrayant du Brazil de Terry Gilliam, le film assume ses références avec soin, sans en faire un des enjeux de son scénario. Et si Natali réitère ses précédentes thématiques (la déshumanisation de la société, la paranoïa, la conspiration…), ce n’est pas pour jouer la carte de la redite. Pour nos deux héros, que peut-on faire quand tout ce qui n’appartient pas à notre univers secret s’est évaporé ? Dans un premier temps, un sentiment absolu de joie et de liberté. Dans une deuxième temps, une solitude de plus en plus envahissante. Pour finalement laisser la place à un véritable malaise existentiel, ce qui n’exclut pas le nihilisme… En gros, si cela permet aux deux héros de faire toutes les conneries proscrites par la société, cela ne les rend pas aussi heureux que prévu. Bien au contraire.

Grâce à quelques audaces formelles ou narratives, Natali atteint un degré d’inventivité des plus effarants. La force de son film, à la fois effrayant et drôle, est de parler du monde moderne et du malaise social en montrant simplement deux jeunes geeks qui n’ont pas achevé leur période adolescente et qui, perdus dans leur univers virtuel, en arrivent à ne plus s’adapter à la société. Pour autant, Natali ne les juge jamais, et les filme dans toute leur simplicité. Renvoi, déception amoureuse (avec la superbe Marie-Jozée Croze dans une scène d’anthologie), agoraphobie et hasard qui fait mal les choses : tout est bon pour péter les plombs. Mais quand plus rien n’est là, que peut-on faire ? Sans jamais donner de leçon de morale, Nothing est une réflexion sur l’acceptation de la réalité, dont le dénouement, forcément tragique et nihiliste, renforce la portée. Toute la réussite de ce film sidérant réside dans cet alliage maîtrisé de simplicité et d’intelligence. De plus, un film pas chiant sur le néant, c’est terriblement rare. Et ça mérite des félicitations.

Note : @@@@

Canada – 2003 – De Vincenzo Natali - Avec David Hewlett, Andrew Miller, Marie-Jozée Croze, Andrew Lowery, Elana Shilling… – 1h33 – Comédie/Fantastique – Tous publics